Las mejores películas de Andy Warhol que cambiaron toda la historia del cine

Andy Warhol, artista pop estadounidense, fue una de las figuras más conocidas del mundo del arte a lo largo del siglo XX. Fue un gran ícono del pop que tuvo un impacto significativo en la publicidad y la cultura de las celebridades de la década de 1960. Aunque es más conocido por ser el fundador del movimiento Pop Art, Warhol también incursionó en el cine. En la década de 1960, Warhol se tomó un año sabático de la pintura y comenzó a hacer películas experimentales después de hacerse famoso por sus representaciones pop-art de objetos cotidianos, como las latas de sopa Campbell y las serigrafías de Marilyn Monroe. La pintura, la serigrafía, la fotografía, el dibujo, el video y la escultura fueron algunos de sus muchos medios.

En sus más de 60 películas y alrededor de 500 retratos de prueba de pantalla en blanco y negro, experimentó con el formato de video, pero sus películas de arte de vanguardia no lograron el éxito comercial. Warhol estaba fascinado y ridiculizó suavemente las películas experimentales de la época, empujando los límites del gusto. Las drogas, el sexo y la violencia permanecieron fuera, y finalmente directamente dentro, del marco de películas ya largas que se mostraban a una velocidad más lenta.

Sus obras siempre han mostrado un doble interés por el cine comercial y el de vanguardia, y ahora su impacto se extiende a ambos. Ahora veremos algunas de las películas controvertidas y extravagantes de Andy Warhol, películas que revolucionaron la forma en que pensamos sobre el cine.

7. IMITACIÓN DE CRISTO (1967)

Imitation of Christ se rodó en enero de 1967, cuando Andy Warhol filmó dieciséis carretes de 32 minutos para la película. La versión larga solo se mostró una vez, en noviembre de 1967, antes de ser descontinuada. Andy Warhol y Paul Morrissey relanzaron la película a finales de 1969, reduciéndola a 105 minutos. Este video de Andy Warhol supuestamente está basado en la guía espiritual Imitatione Christi de Thomas A. Kempis. Imitatione Christi es una comedia dramática sobre un joven peculiar pero apuesto que pasa tiempo con la criada de la casa, quien le lee Imitatione Christi.

Mientras tanto, la madre y el padre del hombre se pelean en la cama por su hijo, tratando de averiguar qué le pasa mientras lamentan su propia situación. Se intercalan escenas del hijo caminando por las calles de San Francisco con un vagabundo. Pie in the Sky: The Brigid Berlin Story, un documental estadounidense de 75 minutos sobre la vida de Brigid Berlin realizado por Vincent Fremont y Shelly Dunn Fremont, incluye extractos de The Imitation of Christ, así como una entrevista con Taylor Mead.

6. Vinilo (1965)

Debido a la colaboración con el escritor Ronald Tavel, Vinyl es más convencional que sus otros trabajos en el sentido de que es una película con guión. Sin embargo, todavía es experimental, borrando las líneas entre la violencia falsa y la real. A medida que la película comienza una investigación apática sobre la dicotomía de la tortura, la visión estética de Warhol funciona muy bien con la exposición ideológica de Burgess. Ciertamente se suma a la gran discusión sobre La Naranja Mecánica.

Andy Warhol dirigió este perturbador monocromático de vanguardia en su estudio de la ciudad de Nueva York, The Factory, como la primera adaptación de la novela de Anthony Burgess A Clockwork Orange. Parece haber sido filmado sin ensayo y se presenta como una serie de imágenes sin escenificar de sadismo y sufrimiento realizadas por un grupo de hombres bajo la supervisión de una hermosa mujer (Edie Sedgwick). Mantiene una postura agresiva, sigue una trama poco ortodoxa e incorpora muchas de las características del trabajo de Warhol, incluida una concentración en la violencia y el erotismo, así como algunas melodías excelentes.

5. LUPE (1965)

La colaboración más reciente de Warhol con Edie Sedgewick es una mirada casi posmoderna a la vida y muerte de la actriz Lupe Vélez. Con las imágenes de las actividades al estilo de Sedgewick eliminadas, parece actuar tanto como un estudio de su principal protagonista. Con fotos de ella con la cabeza en el inodoro, una referencia a los informes de que Vélez murió de esta manera. Nunca se nota que esto podría ser una referencia al estilo de vida de Sedgewick, que incluye tener sus propios vicios y haber sufrido de bulimia severa por la que fue hospitalizada cuando era adolescente.

Una biografía que se centra en la estrella más que en el tema. No sorprende que críticos como Clement Greenberg vieran a Warhol como una ilustración continua de todo lo que despreciaban del posmodernismo. Nosotros, por otro lado, somos grandes admiradores del posmodernismo… Si bien no iré tan lejos como para declarar que A Taste Of Cinema estuvo en lo correcto al colocar a Warhol como el mejor cineasta de vanguardia, diré que A breve mirada a algunos de sus eventos más memorables revelan que pertenece allí.

4. Belleza # 2 (1965)

Beauty # 2 se convirtió en vanguardia al burlarse del reino sensual pero nunca entrar en él, como lo hacía regularmente Warhol. La película tiene un punto de vista fijo que muestra a Sedgwick y Piserchio acostados en una cama. Chuck Wein, el guionista de la película, se escucha pero no se ve. Sedgwick está vestido con un sostén de encaje y pantimedias, mientras que Piserchio está vestido solo con calzoncillos tipo jockey. Coquetean y se besan levemente. Wein parece estar acosando y molestando a Sedgwick haciéndole preguntas. Piserchio es un transeúnte que no interactúa con Wein de ninguna manera.

Esta película, como prácticamente todas las de Warhol y Morrissey, es fascinante. Usando la firma de una toma estática y poniendo a Edie Sedgwick en el centro de atención. La forma en que las burlas provocan agresión, y la forma en que Sedgwick se acerca gradualmente a la retracción de la mirada masculina del lado de su novio y de nosotros como espectadores, la transforma de una pieza de belleza objetivada a una persona detrás del disfraz de su actuación.

3. Espacio exterior e interior (1965)

La primera película de doble pantalla de Andy Warhol, ‘Outer and Inner Space’, se filmó en agosto de 1965 y sirve como una pieza de transición, ya que el formato de doble pantalla se volvería muy esencial en sus películas posteriores. Edie Sedgwick está sentada frente a un monitor de televisión, mirando una película grabada de ella misma en Outer and Inner Space, una película de 16 mm. La Edie Sedgwick “real” o “en vivo” está sentada en el lado derecho del cuadro, mientras que su imagen de video está detrás de ella, y está hablando con un individuo invisible fuera de la pantalla a nuestra izquierda en la película.

Este diseño tiene el efecto inusual de dar la impresión de que a veces estamos viendo a Edie conversar con su propia imagen de video. La película está dividida en dos carretes, cada uno de los cuales tiene 1,200 pies (33 minutos) de largo, y las cintas de video que se reproducen en él tienen una duración de 30 minutos cada una. Con sonido en ambos carretes, los dos carretes de película se proyectan uno al lado del otro, con el carrete Uno a la izquierda y el carrete Dos a la derecha. Entonces ves cuatro cabezas rotando entre video y película, y ocasionalmente las cuatro cabezas están hablando al mismo tiempo.

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2. Pobre niña rica (1965)

En particular, fue la primera película de Warhol en mostrar a la magnética Edie Sedgewick, una de las musas más renombradas del cine. Poor Little Rich Girl también explora las yuxtaposiciones favoritas del arte pop de lo mundano con el mundo más grande y deslumbrante. Las primeras películas de Warhol como “Sleep” muestran la colisión del Arte Pop con el surgimiento de los Estudios Culturales y la idea de que lo mundano podría ser digno de investigación artística. Pero, ¿qué sucede cuando el centro de atención son las actividades diarias no tan ordinarias de alguien?

Los primeros planos de las actividades diarias de Sedgewick, como tomar café y maquillarse por la mañana, fueron un éxito para Warhol. El uso mixto de filmación regular y metraje fuera de foco de un carrete roto que se utilizó sin querer, junto con otros comportamientos contraculturales como fumar marihuana, le da a la película un sentido extrañamente conmovedor. Muchas de las películas más memorables de Warhol presentaban la belleza fatal de Sedgewick, pero ninguna más que aquí.

1. Las chicas Chelsea (1966)

Al principio, muchos críticos se mostraron escépticos con respecto a esta película, que desde entonces se ha convertido en una obra maestra del cine de autor. “Warhol no tiene nada que decir ni técnica para contarlo”, dijo el crítico de cine Roger Ebert después de verlo. Esta película, que Warhol codirigió con Paul Morrissey, ahora se considera un clásico innovador de vanguardia. Su enfoque de pantalla dividida tiene una influencia inconfundible en el cine y la televisión actuales.

Las dos pantallas de “Chelsea Girls” están divididas entre dos proyeccionistas, por lo que es una versión diluida. Puede leerse como una meditación sobre las dos facetas de la vida o simplemente como una representación artística de un planeta genial ocupado por uno que trabaja en blanco y negro y el otro en color. Brigid Berlin, Ondine, Nico y Gerard Malanga se encuentran entre las “celebridades de Warhol” fotografiadas en el entorno natural del famoso Chelsea Hotel. Aunque la vanguardia ha tenido mucho más que decir, este podría ser su momento “más cool”.

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